Despedida...

Gracias a todos los lectores de este blog, a aquellos que están interesados por las Bellas Artes y que disfrutan de ellas. Porque todos amamos las artes aunque pensemos que no, así como cuando disfrutamos de una canción.

Espero disfrutaran de este corto periodo en el que vimos un poco a fondo cada una de las artes en las Bellas Artes, y ver que cada una es especial y diferente. 

Ha terminado el periodo de seguir subiendo publicaciones, sin embargo en un futuro volveré a publicar otros subtemas que me hayan faltado. Ya sabemos que cuando del arte se habla, no es fácil terminar de hablar de lo que cada una conlleva.

Ahora viene la típica frase: No es un adiós. Es un hasta Luego.

La Danza

La Historia de la danza estudia la evolución de la danza a través del tiempo. Desde la prehistoria el ser humano ha tenido la necesidad de comunicarse corporalmente, con movimientos que expresaban sentimientos y estados de ánimo. Estos primeros movimientos rítmicos sirvieron igualmente para ritualizar acontecimientos importantes (nacimientos, defunciones, bodas). En principio, la danza tenía un componente ritual, celebrada en ceremonias de fecundidad, caza o guerra, o de diversa índole religiosa, donde la propia respiración y los latidos del corazón sirvieron para otorgar una primera cadencia a la danza.

Elementos de la música

La organización coherente de los sonidos y los silencios (según una forma de percepción) nos da los parámetros fundamentales de la música, que son la melodía, la armonía y el ritmo. La manera en la que se definen y aplican estos principios, varían de una cultura a otra (también hay variaciones temporales).

La melodía es un conjunto de sonidos concebidos dentro de un ámbito sonoro particular que suenan sucesivamente uno después de otro (concepción horizontal), y que se percibe con identidad y sentido propio. También los silencios forman parte de la estructura de la melodía, poniendo pausas al "discurso melódico". El resultado es como una frase bien construida semántica y gramaticalmente. Es discutible en este sentido si una secuencia dodecafonía podría ser considerada una melodía o no. Cuando hay dos o más melodías simultáneas se denomina contrapunto.

La armonía, bajo una concepción vertical de la sonoridad, y cuya unidad básica es el acorde o tríada, regula la concordancia entre sonidos que suenan simultáneamente y su enlace con sonidos vecinos.

La métrica, se refiere a la pauta de repetición a intervalos regulares, y en ciertas ocasiones irregulares, de sonidos fuertes o débiles y silencios en una composición.

El ritmo, es el resultado final de los elementos anteriores, a veces con variaciones muy notorias, pero en una muy general apreciación se trata de la capacidad de generar contraste en la música, esto es provocado por las diferentes dinámicas, timbres, texturas y sonidos. En la práctica se refiere a la acentuación del sonido y la distancia temporal que hay entre el comienzo y el fin del mismo o, dicho de otra manera, su duración.

La Música

La música (del griego: μουσική [τέχνη] - mousikē [téchnē], "el arte de las musas") es, según la definición tradicional del término, elarte de organizar sensible y lógicamente una combinación coherente de sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo, mediante la intervención de complejos procesos psico-anímicos. El concepto de música ha ido evolucionando desde su origen en la Antigua Grecia, en que se reunía sin distinción a la poesía, la música y la danza como arte unitario. Desde hace varias décadas se ha vuelto más compleja la definición de qué es y qué no es la música, ya que destacados compositores, en el marco de diversas experiencias artísticas fronterizas, han realizado obras que, si bien podrían considerarse musicales, expanden los límites de la definición de este arte.

La música, como toda manifestación artística, es un producto cultural. El fin de este arte es suscitar una experiencia estética en el oyente, y expresar sentimientos, emociones, circunstancias, pensamientos o ideas. La música es un estímulo que afecta el campo perceptivo del individuo; así, el flujo sonoro puede cumplir con variadas funciones (entretenimiento, comunicación, ambientación, diversión, etc.).

Pintura de género

La pintura de género o «escena de género» es el retrato de los hábitos de las personas privadas en escenas cotidianas y contemporáneas del pintor, también se suele llamar «pintura costumbrista». Los primeros cuadros más populares se dieron en los Países Bajos durante el siglo XVI y entre los artistas más destacados se encuentran Pieter Brueghel el Viejo y Vermeer. No se sabe con seguridad si se trata de simple representación de la realidad con un propósito de mera distracción, a veces cómico, o bien se buscaba una finalidad moralizante a través de los ejemplos cercanos al espectador. No hay duda de que, en el cuadro de género del siglo XVIII, sí estaba presente la intención satírica o moralizante en obras como las de William Hogarth o Jean-Baptiste Greuze. En España, Diego Velázquez lo cultivó con su Vieja friendo huevos o El aguador de Sevilla, Francisco de Goya reflejó, en varias obras de cartones para tapices, las fiestas populares, Bartolomé Esteban Murillo hizo escenas de género de mendigos y jóvenes picarescos. En Francia, Jean-Honoré Fragonard y Antoine Watteau hicieron un tipo de pinturas idealizadas de la vida diaria.

PAISAJE

En China y Japón son los países donde, desde el siglo V, se encuentran pinturas con el tema del paisaje. En Europa, aunque aparecen elementos de paisaje como fondo de escenas narrativas, o tratados de botánica y farmacia, se inicia verdaderamente en el siglo XVI, cuando con la aparición del coleccionismo se empezó a pedir temas de cuadros campestres y a designar como especialistas a los pintores del norte de Europa. Así de una manera específica se impuso el tema del «paisaje holandés», que se caracteriza por su horizonte bajo y los cielos cargados de nubes y con motivos típicos holandeses como los molinos de viento, ganados y barcas de pesca. Los paisajes venecianos de Giorgione y sus discípulos son con una apariencia lírica y un bello tratamiento cromático, este tipo de pintura se desarrolló sobre todo a lo largo de todo el siglo XVIII, en un estilo llamado vedutismo, que son vistas generalmente urbanas, en perspectiva, llegando a veces a un estilo cartográfico, donde se reproducen imágenes panorámicas de la ciudad, describiendo con minuciosidad los canales, monumentos y lugares más típicos de Venecia, solos o con la presencia de la figura humana, generalmente de pequeño tamaño y en grandes grupos de gente. Sus mayores exponentes fueron Canaletto, Bernardo Bellotto, Luca Carlevarijs y Francesco Guardi. En laescuela de Barbizon fueron los primeros en pintar al aire libre y hacer un estudio sobre el paisaje a base de la luz y sus variantes que influyeron especialmente en la pintura impresionista.

NATURALEZA MUERTA

Es el género más representativo de la imitación de la naturaleza de objetos inanimados, en general de la vida cotidiana, como frutas, flores, comida, utensilios de cocina, de mesa, libros, joyas etc. y se puede decir, que es el menos literario de todos los temas. Su origen está en la antigüedad donde se utilizaba para la decoración de grandes salones, como los frescos romanos en Pompeya. Plinio el Viejo relata que los artistas griegos de siglos antes, eran muy diestros en el retrato y la naturaleza muerta. Fue muy popular en el arte occidental desde el siglo XVI, un ejemplo es La carnicería de Joachim Beuckelaer. En el mismo siglo Annibale Carracci y Caravaggio representaron magníficas naturalezas muertas. Durante el siglo XVII evolucionó en los Países Bajos un tipo de bodegón, llamado «vanitas», donde se exponían instrumentos musicales, vidrio, plata y vajilla, así como joyas y símbolos como libros, cráneos o relojes de arena, que servían de mensaje moralizante de lo efímero de los placeres de los sentidos. La Academia francesa lo catalogó en el último lugar de la jerarquía pictórica. Con la llegada del impresionismo y junto con la técnica del color, la naturaleza muerta volvió a ser un tema normal entre los pintores, las pinturas de los Girasoles de Van Gogh son de los más conocidos. Los artistas durante el cubismo pintaron también composiciones de bodegones, entre ellos Pablo Picasso,Georges Braque, Maria Blanchard y Juan Gris.

DESNUDO

El desnudo es un género artístico que consiste en la representación del cuerpo humano desnudo. Es considerado una de las clasificaciones académicas de las obras de arte. Aunque se suele asociar al erotismo, el desnudo puede tener diversas interpretaciones y significados, desde la mitología hasta la religión, pasando por el estudio anatómico, o bien como representación de la belleza e ideal estético de perfección, como en la Antigua Grecia. El estudio y representación artística del cuerpo humano ha sido una constante en toda la historia del arte, desde la prehistoria (Venus de Willendorf) hasta nuestros días. Una de las culturas donde más proliferó la representación artística del desnudo fue la Antigua Grecia, donde era concebido como un ideal de perfección y belleza absoluta, concepto que ha perdurado en el arte clasicista llegando hasta nuestros días, y condicionando en buena medida la percepción de la sociedad occidental hacia el desnudo y el arte en general. En la Edad Media su representación se circunscribió a temas religiosos, siempre basados en pasajes bíblicos que así lo justificasen. En el Renacimiento, la nueva cultura humanista, de signo más antropocéntrico, propició el retorno del desnudo al arte, generalmente basado en temas mitológicos o históricos, perdurando igualmente los religiosos. Fue en el siglo XIX, especialmente con el impresionismo, cuando el desnudo empezó a perder su carácter iconográfico y a ser representado simplemente por sus cualidades estéticas, el desnudo como imagen sensual y plenamente autorreferencial. 

Tipos de Arte en Pintura

ABSTRACTO: "Forma de arte que no intenta representar el mundo que nos rodea. Aplicable a cualquier arte que no represente objetos reconocibles". 

CONCEPTUALISMO: El artista como fabricante de ideas en lugar de objetos, socava las ideas tradicionales acerca del estatus del mismo y del objeto artístico. Nace en la década de los 60 desarrollándose en manifestaciones variadas 

EXPRESIONISMO: "Reacción contra el impresionismo que propugna la intensidad de la expresión sincera aun a costa del equilibrio formal". 

FORMALISMO: "Pintura no figurativa, que se expresa mediante formas muy definidas, generalmente geométricas. Lo contrario del informalismo". 

IMPRESIONISMO: ¿Que representa esta tela? Mire el Catálogo. Impresión, salida del sol. Impresión, estaba seguro de ello. Me decia tambien, porque estoy impresionado, que allá dentro debe de haber alguna impresión... 

INFORMALISMO: "En la década de los 50, los artistas del informalismo buscan una nueva manera de crear imágenes sin adoptar las formas reconocibles que habían adoptado cubistas y expresionistas". 

POP: Capas y Capas de imágenes = ideas que configuran cuentos simbólicos. 

REALISMO: Arte que intenta reproducir fielmente el mundo que nos rodea. Nace en el XIX con G. Courbet y pintores que rechazan la idealización. 

SURREALISMO: "Nace en Francia en 1920. Estilo que "resuelve las condiciones contradictorias del sueño y la realidad" según el padre del movimiento, André Bretón". 

La pintura

La pintura es el arte de la representación gráfica utilizando pigmentos mezclados con otras sustancias aglutinantes orgánicas o sintéticas. En este arte se emplean técnicas de pintura, conocimientos de teoría del color y de composición pictórica, y el dibujo. La práctica del arte de pintar, consiste en aplicar, en una superficie determinada una hoja de papel, un lienzo, un muro, una madera, un fragmento de tejido, etc.

Proceso en el que una materia colorante se aplica, mediante algún método, a una superficie o soporte, con el propósito de representar o sugerir a través de la línea, color y materia, alguna entidad visible o imaginaria.

A esta definición se puede añadir que la pintura es una expresión artística que busca la representación de ideas estéticas sobre una superficie bidimensional, en ocasiones tridimensional, utilizando los elementos que le son propios, como el dibujo, el modelado y el colorido. 

Una técnica determinada, para obtener una composición de formas, colores, texturas, dibujos, etc. dando lugar a una obra de arte según algunos principios estéticos.

El arquitecto y teórico del clasicismo André Félibien, en el siglo XVII, en un prólogo de las Conferencias de la Academia francesa hizo una jerarquía de géneros de la pintura clásica: la historia, el retrato, el paisaje, los mares, las flores y los frutos.

La pintura es una de las expresiones artísticas más antiguas y una de las siete Bellas Artes. En estética o teoría del arte modernos la pintura está considerada como una categoría universal que comprende todas las creaciones artísticas hechas sobre superficies. Una categoría aplicable a cualquier técnica o tipo de soporte físico o material, incluyendo los soportes o las técnicas efímeras así como los soportes o las técnicas digitales.

Ruido en la comunicación escrita.

De sobra sabemos que cuando queremos enviar un mensaje expresando algo, es bastante complicado si no lo hacemos de la manera correcta. De la forma en la que puedes transmitir sentimientos en el momento en que le estás enviando mensaje a alguna persona, es poniendo las palabras correctas cuando quieres expresarte; de acuerdo al énfasis que quieres dar en el momento en que estás escribiendo, y tomando en cuenta el estado de ánimo en el que te encuentres al escribir. De mucha ayuda serán también los signos de puntuación, los que, junto con ciertas palabras podrán entender si dichos signos son de reclamo, o de alegría.

Creo que al momento de comunicarse es importante hacerlo sin faltas de ortografía, no solo por nuestra cultura, pues en nuestro idioma (el español) hay una gran variedad de vocabulario; así pues si escribes mal una palabra, con suerte la persona a la que le enviaste dicho mensaje te entenderá, si sabe de lo que están hablando y si te conoce lo suficiente para saber tus estados de ánimo. Sin embargo, y en caso de lo contrario, si dicha palabra tuviera dos significados, podrías causar una gran confusión. Por tanto, es preferible que escribas claramente al momento de enviar un mensaje.

Como estrategias que podemos usar para poner en práctica y tener una buena comunicación escrita, es importante tomar en cuenta: Tener claro el objetivo para lo que se está escribiendo. No conformarnos con el vocabulario con el que ya contamos y, seguir leyendo para ir aumentándolo. Revisar y estar al pendiente de mi ortografía, pues no hay que olvidar que con solo un acento que me falte en una palabra, cambiará todo el contexto de mi oración.

Historia de la Pintura

La pintura ha adoptado diferentes formas, según los distintos medios y técnicas que la han guiado y se han convertido en propios de cada una de ellas. Hasta el siglo XX, la pintura se apoya, en el arte del dibujo. En occidente, la pintura al fresco, que alcanzó su mayor grado de desarrollo a finales de la edad media y durante el renacimiento, se basa en la aplicación de pintura sobre yeso fresco o seco. Otra variedad antigua es la pintura al temple.

La necesidad de expresar una emoción intensa por medio del arte une a pintores tan diferentes como el español El Greco, del siglo XVI, y los expresionistas alemanes del siglo XX. En el polo opuesto de los intentos de los expresionistas por revelar la realidad interior, siempre ha habido pintores empeñados en representar exactamente los aspectos exteriores. El realismo y el simbolismo, la contención clásica y la pasión romántica, se han ido alternando a lo largo de la historia de la pintura, revelando afinidades e influencias significativas.

Durante el renacimiento, la pintura al óleo vino a ocupar el lugar del fresco y del temple; tradicionalmente se pensaba que esta técnica había sido desarrollada a finales de la edad media por los hermanos flamencos Jan van Eyck y Hubert van Eyck, pero en la actualidad se cree que fue inventada mucho antes.

Otras técnicas de pintura son el esmalte, la encáustica, la grisalla y la acuarela. En los últimos años se ha extendido el uso de las pinturas acrílicas, con base de agua, de rápido secado y que no se oscurecen con el paso del tiempo.

Con el transcurrir de los siglos, se han venido sucediendo diferentes métodos y estilos artísticos, así como teorías relacionadas con la finalidad del arte para, reaparecer en épocas posteriores con alguna modificación. En el renacimiento, la pintura al fresco en muros y techos cedió el paso a la pintura de caballete al óleo, pero se reactualizó en el siglo XX con las obras de los muralistas mexicanos.

Tipos de géneros literarios

El género literario son las diferentes categorías o clases en que se pueden clasificar los textos literarios, teniendo en cuenta que el contenido narrado posee un fin explícito.

Se trata de la estructura en la que se  basa el autor para poder desarrollar su artículo enfocado a un público determinado.

Puede resultar sorprendente que aún se utilice la primera clasificación de los géneros, debida a Aristóteles, quien los redujo a tres: épica, lírica y dramática. Hoy se mantiene esencialmente la misma clasificación con distintos nombres (narrativa, poesía y teatro), pero la evolución de los gustos y modas estéticas ha provocado que en muchos textos modernos resulte difícil fijar rígidamente los límites entre lo puramente lírico, lo narrativo o lo dramático.

Cada género tiene sus rasgos característicos:

Género lírico: Se usa para expresar sentimientos y para ello, emplea generalmente el verso.

Género narrativo: Se utiliza para presentar historias realizadas por personajes que pueden intervenir mediante el diálogo. El narrador cuenta la historia y para ello puede utilizar distintas formas de elocución, esto es, la narración, la descripción, la exposición o la argumentación.

Género dramático: Es aquél destinado a ser representado ante unos espectadores. Los personajes intervienen sin la mediación de ningún narrador, siguiendo las indicaciones sobre vestuario, gestos, movimientos, etc. que contienen las acotaciones del texto teatral.

Subgéneros literarios

Llamamos subgéneros literarios a cada uno de los tipos de textos que se incluyen en los anteriores géneros señalados, caracterizados porque todos tienen rasgos comunes del género al que pertenecen.

Los principales subgéneros son los siguientes:

Subgéneros líricos:

Canción: poema de tema amoroso.

Elegía: poema en el que se llora la muerte de un ser querido.

Oda: poema que trata un tema serio y elevado.

Sátira: poema utilizado para ridiculizar a alguien o a algo.

Égloga: poema extenso con temas de la naturaleza y ambiente pastoril.

Subgéneros narrativos:

Cuento:  narración breve con pocos personajes  y con el tiempo y espacio escasamente desarrollados.

Novela: narración más extensa y compleja que el cuento donde aparece una trama complicada o intensa, personajes sólidamente trazados, ambientes descritos pormenorizada mente, con lo que se crea un mundo autónomo e imaginario.

Poema épico: Relata las hazañas heroicas con el propósito de glorificar a una patria. Por ejemplo, La Eneida, de Virgilio.

Cantar de gesta: Poema escrito para ensalzar a un héroe. Por ejemplo, el Poema de Mío Cid.

Romance: Poema épico-lírico usado para narrar hazañas o hechos de armas.

Subgéneros dramáticos:

Comedia: Desarrolla conflictos divertidos y amables, con personajes pertenecientes al mundo de la normalidad.

Drama: Los personajes luchan contra la adversidad, que suele causarle gran daño. Pueden intervenir elementos cómicos y entonces toma el nombre de tragicomedia.

Tragedia: Presenta terribles conflictos entre personajes de alta alcurnia –reyes, héroes- que son víctimas de terribles pasiones que les llevan a la destrucción y a la muerte.

Otros subgéneros dramáticos: el auto sacramental, el entremés, el paso, el melodrama, etc.

Literatura

Millones de personas leen libros, escuchan música, visitan museos, van al teatro. ¿Por qué? Si respondemos que van en busca de distracción o entretenimiento, la respuesta no basta. ¿Por qué entretiene o distrae penetrar en la vida y en los problemas de otro? ¿Por qué nos identificamos con un fragmento musical, con una pintura, con los personajes de una novela? ¿Por qué esa realidad intensifica nuestra realidad? Podemos contestar que queremos huir de nuestra existencia insatisfactoria para conocer otra más rica. Sin embargo, surge una nueva pregunta, ¿por qué no tenemos bastante con nuestra propia vida? ¿Por qué nos incentiva algo que no es más que ilusión, juego, representación? Es evidente que el hombre aspira a ser algo más que él mismo, se rebela contra los límites de su propio yo. Sabe que sólo alcanzará la plenitud si toma posesión de las experiencias de los demás que pueden ser potencialmente suyas.

La Literatura tiene como misión modificar, transformar la realidad y proporcionarnos una emoción estética y placentera, lo mismo ocurre con cualquier otro tipo de arte. Por la vía de la racionalidad llega hacia la inteligencia reflexiva, y por el camino de la sensibilidad nos lleva hasta la experiencia sentimental.

El arte no puede ser físico, no puede construirse físicamente. Si tomamos como ejemplo la poesía, y renunciando a su deleite, nos ponemos a contar las palabras que la componen y a dividirlas en números y letras, al analizarla nos damos cuenta de que la rima, la métrica, el ritmo... no son factores determinantes del encanto o del deleite estético que nos puede producir. Por eso el arte no es físico, ni científico, ya que, si fuera así, podría producirse arte cuando se quisiera. Si hacemos un cuadro estudiado física y matemáticamente, buscando el cálculo científico de la armonía de colores y líneas, nunca será artístico, ya que la belleza pura no resulta aceptable para nuestra psique, como el agua pura no lo es para nuestra fise. Para que una obra sea artística no puede ser completamente perfecta o pura, ha de ser algo impura, al igual que para que el agua sea apreciada por nuestro cuerpo ha de contener alguna impureza.

Historia de la Literatura

La historia de la literatura comienza desde el mismo momento en que la raza humana es capaz de procesar una información y transmitirla a través del lenguaje. Los pueblos mal llamados primitivos comienzan a observar una serie de fenómenos naturales, como puede ser una tormenta de nieve o una sequía, el nacimiento de un nuevo integrante de la comunidad o la muerte de alguno de ellos, una enfermedad, o un rayo que parte un árbol consumiéndose rápidamente a causa del fuego que se propaga… El hombre comienza a establecer relaciones entre los fenómenos y a buscar explicaciones sobre los mismos… es el inicio de lo que hoy conocemos como mitos.

Como se ha visto la literatura ha sido desde sus orígenes un medio de pensamiento, de reflexión, una forma de responder a innumerables preguntas en torno al ser humano, a su entorno… y es además, el origen del pensamiento religioso de todas las culturas y pueblos. Yo diría que la literatura, aún sin proponérselo, siempre ha indagado sobre lo que no conoce y sobre lo que conoce. Es decir siempre ha sido una herramienta científica en cuanto al proceso cognitivo se refiere.

Ya se ha aludido al papel que jugaron los monjes en el medioevo, puesto que sin la labor acuciosa que emprendieron en la traducción de los clásicos y en la preservación de sus obras en las bibliotecas monacales, es muy posible que todo ese saber antiguo hubiese desaparecido por completo de la memoria de la humanidad. Pero como debe buscarse una época donde este proceso haya comenzado a ser de cierta forma deliberado, yo diría que no es sino hasta Miguel de Cervantes Saavedra, que la literatura comienza a dar vueltas sobre si misma. Se convierte en objeto de su propio estudio.

Con Miguel de Cervantes Saavedra y con la parodia que quiso realizar de las novelas de caballería la literatura surge como un nuevo mecanismo de estudio, de reflexión y de recreación literaria. El mismo Rabelais, con Gargantúa y Pantagruel, insigne relato escrito 50 años antes que El Quijote, hace una parodia de las novelas de caballería y de toda la tradición celta en torno a la leyenda del Rey Arturo, de Merlín y de Morgana.

Pero es en el siglo XIX con la aparición de la novela realista que la literatura comienza indagar sobre la sociedad, se cuestiona el rol de la cerrada sociedad decimonónica, sobre el papel de la mujer en el matrimonio (Madame Bovary y la infidelidad). Con el Romanticismo la literatura comienza a indagar sobre su papel histórico, y es consciente de los cambios que lidera. Al respecto Arnold Hauser escribe:

"Sin la conciencia histórica del Romanticismo, sin la constante problematización del presente, que domina el mundo mental del Renacimiento, hubiera sido inconcebible todo el historicismo del siglo XIX, y con él una de las revoluciones más profundas en la historia del espíritu. La imagen del mundo hasta el Romanticismo era fundamentalmente estática, parmenídea y ahistórica, a pesar de Heráclito y de los Sofistas, del nominalismo de la Escolástica y del Naturalismo del Renacimiento, de la dinámica de la economía capitalista y del progreso de las ciencias históricas en el siglo XVIII… Sólo a partir de la Revolución y del Romanticismo, comenzó la naturaleza del hombre y de la sociedad a ser sentida como esencialmente evolucionista y dinámica. La idea de que nosotros y nuestra cultura estamos en un eterno fluir y en una lucha interminable, la idea de que nuestra vida espiritual es un proceso y tiene un carácter vital transitorio, es un descubrimiento del Romanticismo y representa su contribución más importante a la filosofía del presente". 

Otro de los grandes aciertos del Romanticismo es el haber develado la existencia del "otro yo". Es aquí donde tiene lugar el desgarramiento del alma romántica: El ser humano comienza a realizar una introspección, una auto observación metódica, se considera a si mismo como un extraño, un forastero dentro de su propio cuerpo. Descubre que dentro de su cuerpo habitan dos almas, que muy dentro de él hay demonios, pero también jueces… en otras palabras se adelanta casi un siglo a la llegada del psicoanálisis. Esa búsqueda de lo irracional será amplia mente desarrollada por los poetas malditos y posteriormente con el expresionismo alemán, en cuanto a movimientos pictóricos se refiere.

Otro de los grandes aciertos del Romanticismo fue la renovación del lenguaje. En los siglos anteriores, especialmente en Francia, se había llegado a un rebuscamiento y amaneramiento total y absoluto en la utilización del lenguaje. La expresión se destacaba por ser excesivamente alambicada y poco o nada natural. Los románticos se abandonan a la fuerza y poder del lenguaje, se dejan dominar por él, lo cual es considerado como un alto signo de genio artístico. Es en esta fuente creadora del lenguaje donde se podrían encontrar los antecedentes de la escritura automática del surrealismo.

Para terminar esta reflexión etimológica sobre la literatura, diría que el Romanticismo contribuyó a la creación de un hombre y una mujer nuevos, que poco o nada tenían que ver con sus antecesores. Por otra parte no hay que olvidar que el Romanticismo es el primer movimiento eminentemente burgués. Es el triunfo absoluto de la burguesía sobre la aristocracia. Incluso para Goethe el ideal de vida es el burgués. 

Tipos de Pintura

 Existen diferentes tipos de pinturas, tales como barnices, esmaltes, lacas, colorantes, entonadores y selladores  entre otros; cada uno con unas propiedades físicas y químicas que deben tenerse en cuenta a la hora de elegir el producto adecuado, ya sea por el tipo de superficie a aplicar, el carácter estético o las inclemencias a la que va a estar sometido.

Las más comunes son las siguientes:

Temple.

Es el tipo de pintura más utilizado para paredes interiores. Es una pintura permeable, porosa, de aspecto mate. No se puede lavar, ni colocar en zonas expuestas a la lluvia ni condensaciones de agua.

Pintura plástica

Es una pintura de la cual se pueden limpiar las manchas que pueda recibir. Se usa en ambientes, comedores, dormitorios, etc. No conviene usarla en ambientes donde se produce vapor, como baños o cocinas, pues debido a que genera una capa impermeable no permite el pasaje de los vapores, por esa razón es común que se formen ampollas en su superficie. En éstos recintos conviene usar pinturas de diferente composición y más permeables que permitan el pasaje de los gases. Se aplica principalmente sobre revoques de yeso  o cemento y derivados.

Para aplicarlo sobre otros materiales como metal o madera, es necesaria un tratamiento especial llamado imprimación, aunque la durabilidad no es buena, y para los acabados, tiene cierta tendencia a dejar las marcas de la herramienta usada para su aplicación. Para estos sustratos hay pinturas específicas que se conocen como esmalte sintético.

También se le conoce como «pintura de emulsión» o «pintura de caucho» (principalmente en Venezuela). Otra característica que la distingue es el hecho de ser soluble en agua, por lo cual no precisa solventes sintéticos como el thinner.

Esmalte graso.

Se utiliza tanto para el interior como para el exterior, y tanto para paredes y techos como para muebles, puertas, ventanas, metales, etc. Ofrece resistencia al agua, pierde brillo si está expuesto al sol, es fácilmente lavable, buena resistencia al frote, secado lento, especialmente a bajas temperaturas, y buena extensibilidad.

Esmalte sintético.

Este es el tipo de pintura que mejor conserva el brillo, incluso a la intemperie. El acabado es liso, con aspecto mate, satinado o brillante. Se utiliza mucho para proteger superficies de metal y de madera, tanto en el exterior como interior.

Pintura al cemento.

Es de aspecto mate y relativamente resistente al desgaste y a la erosión provocados por la lluvia, viento, etc. Se utiliza en el exterior, en superficies que deben ser rugosas para que se adhiera sin problemas. Se compran en polvo y se mezclan con agua, es importante aplicarlo justo después de mezclarlo con agua, ya que se endurecen rápidamente. Este tipo de pinturas cementicias ha sido superado ampliamente desde hace unos años por pinturas específicas para exteriores, entre las que podemos encontrar las pinturas de piso, etc. Éstas, más modernas, presentan mucha mayor resistencia a los agentes atmosféricos y su acabado es muy superior que las cementicias. No obstante, aún se siguen usando las derivadas del cemento blanco por su bajo costo comparado con las mencionadas. En climas tropicales y sub tropicales, en caso de usar pinturas cementicias, es necesario repintar todos los años luego de la temporada de lluvias.

Pintura a la cal.

La gran ventaja de esta pintura, además de su bajo costo, es que debido a su alcalinidad tiende a destruir la materia orgánica, por lo tanto es útil para pintar habitaciones de casas abandonadas o que no se han usado por tiempo donde existe la presencia de insectos. Es antiséptica. No es adecuada para el exterior, pues, el agua de lluvia tiende a eliminarla aunque se le agreguen aditivos comúnmente llamados fijadores. El proceso de carbonatación, es decir de formación de la capa sólida, se da exclusivamente en presencia del dióxido de carbono del aire. Demora en fijarse los días lluviosos o de mucha humedad. Presenta también la gran ventaja adicional de permitir el pasaje de los vapores por eso es apta para ser usada en baños y cocinas, pues permite la "respiración" del paramento, disminuyendo así la posibilidad de formación de hongos (pues éstos se producen en ambientes anaeróbicos, es decir sin presencia de aire). Esa condición también hace que este tipo de pintura no se ampolle. De todas formas es una pintura de baja calidad, esto se nota por su aspecto y en particular porque al recostarse queda en parte adherida a la ropa. Existen pinturas llamadas para cielorasos, más económicas que la plásticas que son específicas para baños y cocinas y ofrecen un aspecto más agradable, pero, no tienen la propiedad antiséptica de las pinturas a la cal. El aspecto es mate. No se debe emplear sobre yesos, maderas o metales. Hay que tener cuidado al usar este tipo de pintura, ya que es corrosiva, y puede quemar las manos.

Lacado.

La superficie queda totalmente lisa y brillante. Es un tipo de pintura muy popular, sobre todo para pintar muebles, puertas, etc. Hay que saber utilizar bien esta técnica, ya que se dan varias capas de productos distintos y pueden surgir problemas de adherencia entre ellas, si no se aplican correctamente. A diferencia de los barnices, se usan para interiores.

Pinturas decorativas

Para lograr un aspecto diferente, existen pinturas especiales que imitan el mármol o el estuco, o que semejan acabados antiguos, rústicos o multicolores.

Vinilo.

El vinilo se encuentra presente en la pintura acrílica o vinilica, tiene la misma función que el aceite en la pintura de óleo. Es un medio que permite a los pigmentos adherirse a las superficies. Es incoloro y es soluble en agua. Tiene menor tiempo de secado que la pintura óleo, y mayor resistencia a la intemperie, aunque todavía no se ha determinado su durabilidad frente al óleo.

Tecnicas de la Pintura

Las técnicas de pintura se dividen de acuerdo a cómo se diluyen y fijan los pigmentos en el soporte a pintar. En general, y en las técnicas a continuación expuestas, si los pigmentos no son solubles al aglutinante permanecen dispersos en él.

Óleo

El vehículo empleado para fijar el pigmento son tipos de aceites y el disolvente es la trementina. La pintura al óleo se hace básicamente con pigmento pulverizado seco, mezclado en la viscosidad adecuada con algún aceite vegetal. Estos aceites se secan más lentamente que otros, no por evaporación sino por oxidación. Se forman capas de pigmento que se incrustan en la base y que, si se controla cuidadosamente los tiempos de secado, se fijarán correctamente en las siguientes capas de pigmento. Este proceso de oxidación confiere riqueza y profundidad a los colores del pigmento seco, y el artista puede variar las proporciones de aceite y disolventes, como la trementina, para que la superficie pintada muestre toda una gama de calidades, opaca o transparente, mate o brillante. Por esta y por otras razones, el aceite puede considerarse como el medio más flexible. Usado de una manera conveniente, la pintura al óleo cambia muy poco de color durante el secado aunque, a largo plazo, tiende a amarillear ligeramente. Su capacidad de soportar capas sucesivas, permite al artista desarrollar un concepto pictórico por etapas - Degas llamaba este proceso bien amenée(bien llevado)- y la lentitud de secado le permite retirar pintura y repasar zonas enteras. Las fotografías con rayos X demuestran que incluso los grandes maestros introducían a menudo cambios durante el proceso de realización de un cuadro.

Cera

El vehículo son ceras que normalmente se usan calientes. La encaustica, que deriva del griego enkaustikos ('grabar a fuego'), es una técnica de pintura que se caracteriza por el uso de la cera como aglutinante de los pigmentos. La mezcla tiene efectos muy cubrientes y es densa y cremosa. La pintura se aplica con un pincel o con una espátula caliente. La terminación es un pulido que se hace con trapos de lino sobre una capa de cera caliente previamente extendida (que en este caso ya no actúa como aglutinante sino como protección). Esta operación se llama «encaustización» y está perfectamente descrita por Vitruvio (c. 70-25 aC).

Acuarela

La acuarela es una pintura sobre papel o cartulina con colores diluidos en agua. Los colores utilizados son transparentes (según la cantidad de agua en la mezcla) y a veces dejan ver el fondo del papel (blanco), que actúa como otro verdadero tono. Se compone de pigmentos aglutinados con goma arábiga o miel. En sus procedimientos se emplea la pintura por capas transparentes, a fin de lograr mayor brillantez y soltura en la composición que se está realizando. Requiere del artista la seguridad en los trazos y espontaneidad en la ejecución, ya que su mayor mérito consiste en el frescor y la transparencia de los colores. Sin embargo existe la acuarela hiper realista que va en contra de este postulado y que utiliza barnices para no remover las primeras capas y dar sucesivas veladuras con lo que se consigue un claroscuro muy detallado pero carente de la translucidez de la acuarela clásica.

Acrílico 

La pintura acrílica es una clase de pintura de secado rápido, en la que los pigmentos están contenidos en una emulsión de un polímero acrílico (cola vinílica, generalmente). Aunque son solubles en agua, una vez secas son resistentes a la misma. Se destaca especialmente por la rapidez del secado. Asimismo, al secar se modifica ligeramente el tono, más que en el óleo. La pintura acrílica data de la primera mitad del siglo XX, y fue desarrollada paralelamente en Alemania y Estados Unidos. El pintor Jackson Pollock utilizó las pinturas acrílicas tal como salen de los tubos para conseguir texturas nuevas y espesas mientras que Morris Louis las diluía con gran cantidad de agua para pintar grandes telas que quedaban con un efecto de teñido más que de pintura.

Pastel

La técnica de la pintura pastel consiste en la utilización de unas barras de colores cuyos pigmentos en polvo están mezclados con la suficiente goma o resina para que queden aglutinados y formen una pasta seca y compacta. La palabra pastel deriva de la pasta que así se forma; es pasta modela en la forma de una barrita del grueso aproximado de un dedo que se usa directamente (sin necesidad de pinceles ni espátulas, ni de disolvente alguno) sobre la superficie a trabajar, como soporte es común utilizar papel de buena calidad de buen gramaje de color neutro no blanco y de ligera rugosidad, aunque la técnica es lo suficientemente versátil para que se pueda usar sobre otras superficies como madera. Son colores fuertes y opacos, la mayor dificultad es la adhesión del pigmento a la superficie a pintar, por lo que se suele usar alfinalizar el dibujo fijadores atomizados (spray) especiales.

Puntillismo

El puntillismo es la técnica que surgió en el neoimpresionismo por el estudio practicado principalmente por el pintor Georges Seurat, que consiste en colocar puntos pequeños esféricos de colores puros, en lugar de la técnica de pinceladas sobre el soporte para pintar. Al haber relaciones físicas entre los colores, la interacción entre los primarios y complementarios, consiguen con la posición de unos junto a otros la mezcla óptica, a partir de una cierta distancia del cuadro, que es capaz de producir el efecto de la unión entre ellos.

Pintura

La pintura es una de las expresiones artísticas más antiguas y una de las siete Bellas Artes. En estética o teoría del arte modernos la pintura está considerada como una categoría universal que comprende todas las creaciones artísticas hechas sobre superficies. Una categoría aplicable a cualquier técnica o tipo de soporte físico o material, incluyendo los soportes o las técnicas efímeras así como los soportes o las técnicas digitales.

Una pintura es el soporte pintado sobre un muro, un lienzo, o una lámina. La palabra pintura se aplica también al color preparado para pintar, asociado o no a una técnica de pintura; en este sentido es empleado en la clasificación de la pintura atendiendo a las técnicas de pintar.

La clasificación de la pintura puede atender a criterios temáticos (como la «pintura histórica» o la «pintura de género») o a criterios históricos basados en los periodos de la Historia del Arte (como la «pintura prehistórica», la «pintura gótica») y en general de cualquier período de la Historia de la pintura.

Historia de la Pintura

La historia de la pintura ha tenido un desarrollo cronológico y estilicidio paralelo en gran medida al resto de las artes plásticas, si bien con diversas técnicas y materiales empleados en su confección hasta factores socio-culturales y estéticos, ya que cada pueblo y cada cultura ha desarrollado a lo largo del tiempo distintos conceptos de plasmar la imagen que recibe del mundo circundante.

Hablar de los orígenes de la pintura supone hablar del porqué del arte, de cómo se origina. Parece ser, pues, que ha de buscarse en el momento en que nuestros antepasados empezaron a concebir sus objetos o su vida con una intención más allá de la funcionalidad. Desde el descubrimientos de las primeras muestras de este arte en Altamira hasta la actualidad, se han realizado numerosos descubrimientos que han ayudado a con un cierto esquema histórico y artístico para el estudio de esta pintura, cierto, pero también para enfatizar su relatividad.

En el devenir de su historia, la pintura ha adoptado diferentes formas, según los distintos medios y técnicas que la han guiado y se han convertido en propios de cada una de ellas. Hasta el siglo XX, la pintura se apoya, casi invariablemente, en el arte del dibujo. En occidente, la pintura al fresco, que alcanzó su mayor grado de desarrollo a finales de la edad media y durante el renacimiento, se basa en la aplicación de pintura sobre yeso fresco o seco. Otra variedad antigua es la pintura al temple, que consiste en aplicar pigmentos en polvo mezclados con yema de huevo sobre una superficie preparada, que suele ser un lienzo sobre tabla.

Principales tipos de Escultura

Las esculturas son consideradas un arte en el que se debe trabajar un determinado material con el objetivo de erigir formas en tres dimensiones con fines estéticos.

Las esculturas pueden diferenciarse según el material con el que están hechos en:

Madera: si bien este tipo de esculturas suelen ser relacionados con la religión, estas tienen un alcance mucho más amplio ya que pueden hallarse estas piezas en diversas culturas y en diversos momentos de la historia. De hecho es uno de los materiales que los escultores más estiman por los excelentes resultados que permiten obtener y por la facilidad con la que se puede manejar. Se presentan en formas muy variadas, sean estás representaciones realistas o abstractas. Muchas veces estas obras no son pintadas, para poder apreciar sus colores naturales y en caso de decidir colorearlas es preciso elegir la pintura adecuada para cada tipo de madera.

Bronce: estas esculturas son muy apreciadas por durabilidad de su materia prima. Sin embargo resulta muy difícil de manipular.  Para ello son utilizadas diversas técnicas, la más importante es a basa de cera. Con este material se realiza un molde, cubierto con barro. El bronce es derramado sobre el mismo y la cera se derretirá, pero el metal adquirirá su forma.
Su uso más común se relaciona con fuentes, grandes monumentos, entre otros.

Hierro: este material comenzó a ser forjado hace más de tres mil años. Estas técnicas se difundieron por toda Europa varios siglos después por medio de los fenicios y griegos. Durante mucho tiempo fue utilizada con diversos fines sean decorativos o para la fabricación de herramientas o armas. Sin embargo fue a partir del Renacimiento cuando adquirió un carácter artístico y durante la modernidad comenzó a ser muy importante.
Una de las técnicas más importantes es el repujado, básicamente a través del impacto de varas o chapas de hierro, se encuentre este caliente o frío, se modela el material. Además son muy utilizadas las técnicas de soldadura.

Piedra: en este caso son utilizados distintos minerales, el más usado es el mármol. Se considera que las mejores obras realizadas a partir de la piedra fueron creadas durante el renacimiento. Algunos de los artistas más reconocidos hoy en día son Miguel Ángel y Leonardo Da Vinci.
Las herramientas que se usan deben ser cortantes. Los golpes pueden ser ejercidos directamente sobre el material  o con la ayuda de algún mazo o martillo. La herramienta más utilizada es el puntero, su extremo es en punta y es usado para realizar agujeros. También son muy utilizadas las gubias, taladros y cinceles.

Los temas que se abordan desde la escultura de piedra en el continente europeo durante la antigüedad suelen ser limitados a la vida religiosa y civil, sobre todo en cuanto a la política. En otras culturas, como la egipcia o mexicana hay mucha presencia de animales, sobre todo de gatos en el primer caso y monos en el segundo. Hoy en día el arte de las esculturas de mármol se encuentra mucho más diversificado, incluyendo formas abstractas.

Esculturas religiosas.- Se trata de obras escultóricas cuya realización se hace pensando en la representación de temas religiosos, ya sea plasmando supuestas acciones realizadas por la deidad, o por un santo, o haciendo la representación de dicha deidad o santo, es el caso por ejemplo, de las innumerables esculturas de deidades, egipcias, griegas, aztecas, romanas, sumerias, hindúes y deidades de otras culturas, como las que representan pasajes o rituales a la deidad, siendo que en la mayoría de los casos, se utilizaban para el culto religioso, creyéndose que eran las propias deidades o que a través de ellas se podía “llegar” a la deidad para que mediante súplicas intercediera.

Esculturas profanas.- Se trata de aquellas que se enfocan en temáticas no religiosas entendiéndose dentro del ámbito del cristianismo. En esta categoría se cuentan todas las esculturas de temáticas civiles, militares, míticas, y retratos (bustos o esculturas), de “personajes” ajenos a la religión cristiana.

Esculturas civiles.- Se hace referencia de esta manera a las esculturas que tienen un carácter civil, ya sea que representen un ideal (por ejemplo la paz), conmemoren un hecho, una situación, muestren o se originen en señal de respeto (por ejemplo una estatua al soldado desconocido o aun héroe patrio). Es el caso de varias de las estatuas (generalmente de bronce o de piedra), realizadas en honor a gobernantes distinguidos, héroes del país, y personajes que de alguna manera contribuyeron al desarrollo cultural, ideológico, de libertad, o de otra índole de una nación.

Esculturas abstractas.- Se trata de esculturas que se hacen según las convenciones e ideas del arte abstracto. Expresan ideas, sentimientos y pensamientos del artista que las realiza, haciéndolas de manera que dichas sensaciones se plasmen tridimensional mente en la obra.

Escultura

La escultura es, junto con la arquitectura, la pintura y la música una de las denominadas Bellas Artes, por esa inherente finalidad que tiene de expresar la belleza y consiste en el arte de moldear el barro, tallar en piedra, maderas o cualquier otro material, figuras en volumen. El escultor tal como se denomina la persona que se encarga de llevar a cavo ese arte, se expresará creando volumen como dijimos, pero también conformará y definirá espacios.

El origen de la escultura, por tratarse esta de una actividad y arte puramente humanos, lo encontramos prácticamente desde el mismísimo origen del hombre, porque desde siempre el hombre necesitó y tuvo la oportunidad de esculpir figuras. Aunque, durante esta larga tradición que mencionamos ostenta la escultura, ha habido no una, sino varias funciones que esta desplegó, según las épocas y el estadio de avance o retraso en el cual se encontraba el hombre en ese momento.

La escultura se encuentra dividida en dos grandes ramas, la estatuaria y la ornamental. La primera se ocupa de la representación de la forma humana y de expresar las distintas concepciones suprasensibles del hombre y la segunda, por su lado, se ocupa de reproducir artística mente al resto de los seres que componen la naturaleza junto con el hombre, como ser los vegetales y animales.

En tanto, la estatuaria, comprende dos tipos, de relieve y de bulto redondo. La de relieve es aquella que está realizada o adherida a una superficie, por lo cual presenta un único punto de vista que es el frontal. Según lo que salga del plano se llamará de altorrelieve, medio relieve, bajorrelieve y hueco relieve. Y las esculturas de bulto redondo son aquellas que se pueden contemplar desde cualquier punto de vista y de acuerdo a la parte del cuerpo representada se denominará de busto, medio cuerpo, tres cuartos, torso, entre otras.

Historia de la Escultura

El hombre desde que tiene uso de razón ha tenido la necesidad de expresarse de alguna manera, siendo el Arte una de las formas más ricas para ello.Con la escultura podemos reproducir objetos y persona utilizando materiales como barro, piedra, madera etc. La escultura se crea a base de tres dimensiones que es el volumen, el objetos, y cuando se emplea materiales compactos.

La escultura es la más antigua de las Artes, sus primeras manifestaciones aparecen hace unos 30,000 años en forma de figurillas femeninas tratadas de un modo fuertemente expresionista. Contrariamente al pintor que trabajaba sobre una superficie plana, el escultor utiliza tres dimensiones y se propone el dominio de la forma desarrollándose en el espacio.

La historia de la escultura es una parte de la historia del arte que estudia la evolución de la escultura desde sus principios teniendo en cuenta las diferentes culturas del mundo y los periodos históricos que suelen coincidir  con los de la propia historia del arte. A lo largo del tiempo, muchas de sus formas y herramientas utilizadas siguen siendo las mismas o similares.

Desde las civilizaciones prehistóricas hasta las actuales, la escultura ha pasado por varias fases funcionales: inicialmente tenia un uso utilitario y era un método para representar ritos mágicos o religiosos. En ciertos momentos de la historia, debido a la aparición en algunas religiones del aniconismo por ejemplo, en el cristianismo ortodoxo y en el islam, la practica de la escultura se reduce a la realización de adornos sin ninguna representación de imágenes. 

Los materiales que emplea responden de manera muy variada a las intenciones expresivas y esto obliga al artista a construir la imagen de las sensaciones visualizadas por él en llenos y vacios, buscando un equivalente de la realidad a través de la sugestión artística.

La historia de la escultura mundial es una mezcla entre estos dos elementos fundamentales de la forma. Los llenos, son los que dan origen a formas en los que la masa es preponderante y los vasios que originan formas del espacio que rodea la escultura.

Permítanme ejemplificar lo anteriormente expuesto. Los antiguos egipcios se orientaron en escultura hacia los valores de la MASA utilizando piedras de gran dureza como el basalto y sobre todo el granito. Esto lo podemos observar claramente en Luxor y Karnak, a la orilla del Río Nilo.
En cambio los griegos se orientaron en escultura hacia los valores de VACIOS utilizando piedra caliza o mármol, que hacen que la escultura integre el espacio que la rodea y en cierta manera viva en él. Ejemplos claros los podemos ver en las diferentes acrópolis como las de Poseidón y sobre todo la de Atenas, la más difundida.

El hombre desde tiempos primitivos han tenido la ansiedad de esculpir, por ejemplo ellos en tiempos remotos esculpían con sus propias manos utilizando barro Y madera, luego usaron piedra, metales, etc. También se realizaron escultura a ase de religiones y mitos, estos en esos tiempos se utilizaba como amuletos. Otros esculpían figuran que representaban sus Dioses, gobernares y héroes esto se utilizaba en Roma, Grecia, Mesopotamia, Asia y Egipto, estos escultores definieron la escultura como un arte, ellos utilizaron el bajo relieve para esculpir narraciones de sus héroes en su propia escultura.

Historia de la Arquitectura

La Historia de la arquitectura es una subdivisión de la Historia del arte encargada del estudio de la evolución histórica de la arquitectura, sus principios, ideas y realizaciones. Esta disciplina, así como cualquier otra forma de conocimiento histórico, está sujeta a las limitaciones y fortalezas de la historia como ciencia: existen diversas perspectivas en relación a su estudio, la mayor parte de las cuales son occidentales.

En la mayoría de los casos -aunque no siempre- los periodos estudiados corren paralelos a los de la Historia del arte y existen momentos en que las estéticas se sobreponen o se confunden. No es de extrañar que una estética vanguardista en las artes plásticas aún no haya encontrado su representación en la arquitectura y viceversa.

Esta disciplina, es como cualquier forma de conocimiento histórico y una de las cosas más curiosas de la arquitectura es que existen momentos en que la arquitectura se confunde con el arte gracias a la estética.

Geográfica y cronológicamente la arquitectura aparece haberse originado en el valle del Nilo. Un segundo centro de desarrollo se encontraba en el valle del Tigris y Efrates, que no influenciados por elarte antiguo egipcio. A través de varios canales los griegos heredaron de tanto los egipcios como asirios las dos influencias se distinguen bastante de la arquitectura de la Grecia antigua. Los romanos adoptaron los detalles externos de la arquitectura griega, sustituyendo el arco etrusco por las formas griegas. Desarrollaron un sistema completo y original de construcción y decoración y lo esparcieron al mundo civilizado.

Con la caída de Roma y el levantamiento de de Constantinopla estas formas se sometieron a una nueva transformación, llamada Bizantinaen el desarrollo de las iglesias cristianas. En el norte y el oeste, mientras tanto bajo el crecimiento de instituciones papales y las órdenes monásticas y el surgimiento de de la civilización feudal la constante preocupación de la arquitectura fue evolucionar desde el tipo de basílica a una estructura abovedada. La arquitectura gótica fue el  resultado de esta preocupación y prevaleció desde el norte y oeste de Europa en el siglo 16 y se desarrolló por dos siglos, después del cual el período de clacisismo fue seguido por un rápido declive del gusto. En el siglo 19 vemos eclecticismo y confusión a partir del rápido crecimiento de nuevos requierimientos en el desarrollo de nuevas formas de construcción.

Durante el siglo 15 el Renacimiento, aún maduro en Italia donde triunfó sobre las modas góticas y produjo maravillosas series de monumentos cívicos, palacios, iglesias, adornados con formas prestadas o imitadas del arte clásico romano.

En las tierras del Este tres grandes escuelas de arquitectura se desarrollaron. Una con la influencia de la civilización mahometana, otra con la arquitectura budista en India y la tercera en China y Japón. La primera es la más rica e importante, primeramente inspirada en el arte bizantino y fortaleciendo la decoración más que la construcción y dio al mundo los palacios del norte de Africa, Persia, Turquía y la España morisca. Las otras dos escuelas parece que no se relacionaban al principio y no tenían ninguna afinidad con la arquitectura occidental.

De la historia de la arquitectura de México, Sud y Centro América sus inicios tienen que ver con las construcciones indígenas del imperio Maya, Inca y Azteca. Luego el legado arquitectónico europeo es vastísimo ligado al período renacentista.

Principales Tipos de Arquitectura

Arquitectura Histórica o estilística.- Es aquella que ha surgido a través del tiempo en diversos lugares y ha “creado estilos arquitectónicos”, con características propias (por ejemplo la arquitectura griega y la barroca que son fáciles de distinguir entre sí), a pesar de poseer características similares en ciertos aspectos. Suelen clasificarse dependiendo del periodo dominante en cuanto al estilo, el cual abarcó un cierto espacio tanto en el tiempo como en el territorio, en donde ejerció influencia dicho tipo o estilo arquitectónico.

Arquitectura Popular o tradicional.- Se entiende por tradicional o popular, aquellas edificaciones que son realizadas por la propia gente o por artesanos que poseen poca instrucción (albañiles, aprendices y peones), quienes realizan construcción de casas, tanto citadinas como para el campo, así como edificaciones auxiliares del tipo rural, como graneros, corrales, pozos y diversas edificaciones para uso agropecuario, hechas con materiales tradicionales, como madera, piedra, etc. 

Común o vulgar.- Se entiende por arquitectura común o vulgar, aquellas construcciones cuyo único objetivo es la utilidad que prestan, sin que cuenten con características propias de la arquitectura histórica, artística o de las populares en alguna región, sino que sus formas se enfocan, únicamente a satisfacer el fin o utilidad para la cual está diseñada, por ejemplo edificios de oficinas que no siguen un estilo artístico, sino que están diseñadas para prestar una utilidad práctica, y de la misma forma edificaciones como aulas y escuelas, siendo que en muchas ocasiones suelen ser construcciones de un carácter sobrio e incluso monótono, ajeno a la arquitectura artística propiamente.

Arquitectura Militar.- Se trata de aquellas obras arquitectónicas que han sido creadas ex profeso, para defender algo, es el caso de murallas, fortalezas y castillos, que dependiendo de la época, los materiales y el estilo reinante, así como de las circunstancias bélicas y técnicas del momento, toman la forma apropiada para contener ataques y asedios. Obras que pueden llegar a una magnificencia tanto en funcionalidad como en estilo, como lo demuestran la gran muralla china y varios castillos europeos, que combinan la funcionalidad, con la belleza arquitectónica reinante en la región.

Arquitectura Civil.- Se trata de monumentos y edificaciones del tipo civil, como teatros públicos, cámaras (congresos de diputados y cenadores), residencias y palacios gubernamentales, puentes, parques, monumentos, así como los diversos edificios de las dependencias de gobierno civil. En muchas ocasiones tienen una belleza arquitectónica extraordinaria, sin perder la funcionalidad para la cual fueron hechos.

Arquitectura Moderna (No modernista).- Son edificios que suelen ser realizadas pensando en su funcionalidad más que en la ornamentación. Suelen tener planos lizos buscando un equilibrio geométricos, y como se mencionó anteriormente, se enfocan más a su funcionalidad. Se trata de edificios que se realizan con materiales modernos, como concreto, vigas metálicas y cristal, para dar mayor resistencia y sensación de amplitud mediante grandes ventanales que permitan el paso de la luz. Algunos ejemplos son los edificios destinados a oficinas, centros comerciales y escuelas, que si bien permiten una comodidad y pueden tener estilos y formas artísticas, se enfocan más a una funcionalidad para la cual fueron construidos, como en el caso de hospitales y otras edificaciones.

Arquitectura

La Arquitectura está más allá de los hechos utilitarios. La Arquitectura es un hecho plástico. La Arquitectura es el juego sabio, correcto, magnífico de los volúmenes bajo la luz. Su significado y su tarea no es sólo reflejar la construcción y absorber una función, si por función se entiende la de la utilidad pura y simple, la del confort y la elegancia práctica. Así fue como Le Corbusier definió la Arquitectura.

Determinados edificios u otras construcciones son obras de arte ya que pueden ser considerados primariamente en función de su forma o estructura sensible o de su estética. 

Aunque en la actualidad suele considerarse que la principal actividad de la Arquitectura va dirigida al diseño de espacios para el refugio y la habitación [las viviendas], sólo a partir del siglo XIX comenzaron los arquitectos a preocuparse por el problema del alojamiento, la habitabilidad y la higiene de las viviendas, y a ampliar su ámbito de actuación más allá de los monumentos y edificios representativos. 

La importancia de la Arquitectura en el siglo XX ha sido enorme, pues su ejercicio fue responsable de no menos de la tercera parte de los materiales acarreados por la humanidad en ese lapso. Durante este periodo, no sólo se ha producido un gran aumento de población, con sus correspondientes necesidades edificatorias [especialmente de viviendas], sino también importantes movimientos de poblaciones, desde las zonas rurales a las urbanas y, terminada la Guerra Fría, desde los países pobres a los países ricos. 

Teoría

El arte como toda producción de la actividad humana, debe tener una teoría puesto que existe la practica. Esta teoría va comprendida en la ciencia estética (procede del griego "sentir"). Fue introducida en Alemania cuando se hacia consistir la teoría del arte en el examen del sentimiento que lo bello despierta en nosotros.
El termino Bellas Artes se pluralizo en el siglo XVIII para referirse a las principales formas de arte que se desarrollaban principalmente por el uso de la estética, la idealización de la belleza y el buen uso de la técnica. El primer libro que se conoce que clasifica a las Bellas Artes es Les Beaux-Arts réduits à un même principe.

Con el tiempo la lista sufriría cambios según los distintos autores.

Las Bellas Artes son quizás, tan viejas como el genio de la idea de la genialidad. En la época de la ilustración, y a raíz de lo anterior el mundo vio nacer una inacabable biblioteca de tratados de pintura o de poesía, reglas para hacer arte o para juzgarlo con cierta ciencia.
El arte en fin deviene un problema vivo como en casi ninguna otra época; y la filosofía siempre dispuesta a regular, descifrar, descalificar, o aprender del arte, habla también con abundancia. Sin embargo, carecía de una explicación detallada filosófica de la imitación pensada exclusivamente en relación con el arte, con todas las artes.

Clasificación de las Bellas Artes

En realidad el conocimiento de las bellas Artes es básico, y es importante que tengamos conocimiento de ellos desde el inicio de nuestra educación y como cultura propia.
Los griegos antiguos dividían las artes en superiores y menores siendo las artes superiores aquellas que permitían  gozar las obras por medio de los sentidos superiores (vista y oído). Las artes menores aquellas que impresionaban a los sentidos menores (gusto, olfato y tacto).
Esencialmente las artes las Bellas Artes se clasifican en cuatro grupos:

1. ARTES PLÁSTICAS: El dibujo, la pintura, la escultura, la cerámica, el grabado y la arquitectura. (denominadas también artes visuales).
2. ARTES ACÚSTICAS: Música y literatura
3. ARTES APLICADAS: Cerámica artesanal, mordiste, zapatera, joyería, carpintería, etc. (todas aquellas que a través de su creatividad, hacen más fácil la vida cotidiana del hombre).
4. ARTES DE MOVIMIENTO: La danza, el teatro y el cine, (en donde el hombre hace uso de su expresión corporal para comunicarse).
   

¿Por qué son Bellas Artes?

En muchas ocasiones hemos escuchado hablar de las Bellas Artes, pero no todos sabemos porqué son llamadas de esta forma.
Pues la razón es por el simple hecho de que su objetivo principal es expresar la belleza de todas las formas posibles que a su vez sean consideradas artísticas y que buscan la representación estética de la belleza o la realidad independientemente a su función.
Estás son Bellas Artes porque son producidas por el ser humano con la intensión de transmitir, representar al mundo y a la realidad que lo rodea. Estas se pueden disfrutar a través de la vista y del oído, por lo cual casi todas las ramas artísticas podrían entrar dentro de este grupo tales como son:

• Arquitectura
• Escultura
• Pintura
• Literatura
• Danza
• Música
• Cine

Y que aunque no sabemos todo al respecto de cada una, todos hemos visto y en su caso escuchado de alguna de estás.

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