La pintura de género o «escena de género» es el
retrato de los hábitos de las personas privadas en escenas cotidianas y
contemporáneas del pintor, también se suele llamar «pintura costumbrista». Los
primeros cuadros más populares se dieron en los Países
Bajos durante el siglo XVI y entre los artistas más destacados se
encuentran Pieter Brueghel el Viejo y Vermeer.
No se sabe con seguridad si se trata de simple representación de la realidad
con un propósito de mera distracción, a veces cómico, o bien se buscaba una
finalidad moralizante a través de los ejemplos cercanos al espectador. No hay
duda de que, en el cuadro de género del siglo XVIII, sí estaba presente la
intención satírica o moralizante en
obras como las de William Hogarth o Jean-Baptiste Greuze. En España, Diego Velázquez lo cultivó con su Vieja friendo huevos o El aguador de Sevilla, Francisco
de Goya reflejó, en varias obras de cartones para tapices, las fiestas
populares, Bartolomé Esteban Murillo hizo
escenas de género de mendigos y jóvenes picarescos. En Francia, Jean-Honoré Fragonard y Antoine
Watteau hicieron un tipo de pinturas idealizadas de la vida diaria.
PAISAJE
En China y Japón son
los países donde, desde el siglo V, se encuentran pinturas con el tema del paisaje.
En Europa,
aunque aparecen elementos de paisaje como fondo de escenas narrativas, o
tratados de botánica y farmacia, se
inicia verdaderamente en el siglo XVI, cuando con la aparición del
coleccionismo se empezó a pedir temas de cuadros campestres y a designar como
especialistas a los pintores del norte de Europa. Así de una manera específica
se impuso el tema del «paisaje holandés», que se caracteriza por su horizonte
bajo y los cielos cargados de nubes y con motivos típicos holandeses como los
molinos de viento, ganados y barcas de pesca. Los paisajes venecianos de Giorgione y
sus discípulos son con una apariencia lírica y un bello tratamiento cromático,
este tipo de pintura se desarrolló sobre todo a lo largo de todo el siglo
XVIII, en un estilo llamado vedutismo,
que son vistas generalmente urbanas, en perspectiva, llegando a veces a un
estilo cartográfico, donde se reproducen imágenes panorámicas
de la ciudad, describiendo con minuciosidad los canales, monumentos y lugares
más típicos de Venecia, solos o con la presencia de la figura humana,
generalmente de pequeño tamaño y en grandes grupos de gente. Sus mayores
exponentes fueron Canaletto, Bernardo
Bellotto, Luca Carlevarijs y Francesco
Guardi. En laescuela de Barbizon fueron los primeros en
pintar al aire libre y hacer un estudio sobre el paisaje a base de la luz y sus
variantes que influyeron especialmente en la pintura impresionista.
NATURALEZA MUERTA
Es el género más representativo de la imitación de la naturaleza de
objetos inanimados, en general de la vida cotidiana, como frutas, flores,
comida, utensilios de cocina, de mesa, libros, joyas etc. y se puede decir, que
es el menos literario de todos los temas. Su origen está en la antigüedad donde
se utilizaba para la decoración de grandes salones, como los frescos romanos
en Pompeya. Plinio
el Viejo relata que los artistas griegos de siglos antes, eran muy
diestros en el retrato y la naturaleza
muerta. Fue muy popular en el arte occidental desde el siglo XVI, un
ejemplo es La carnicería de Joachim Beuckelaer. En el mismo siglo Annibale
Carracci y Caravaggio representaron magníficas naturalezas
muertas. Durante el siglo XVII evolucionó en los Países Bajos un tipo de
bodegón, llamado «vanitas», donde se exponían instrumentos musicales, vidrio,
plata y vajilla, así como joyas y símbolos como libros, cráneos o relojes de
arena, que servían de mensaje moralizante de lo efímero de los placeres de los
sentidos. La Academia francesa lo catalogó en el último
lugar de la jerarquía pictórica. Con la llegada del impresionismo y junto con
la técnica del color, la naturaleza muerta volvió a ser un tema normal entre
los pintores, las pinturas de los Girasoles de Van
Gogh son de los más conocidos. Los artistas durante el cubismo pintaron
también composiciones de bodegones, entre ellos Pablo
Picasso,Georges Braque, Maria
Blanchard y Juan Gris.
DESNUDO
El desnudo es un género
artístico que consiste en la representación del cuerpo
humano desnudo. Es considerado una de las clasificaciones académicas de
las obras de arte. Aunque se suele asociar al erotismo, el
desnudo puede tener diversas interpretaciones y significados, desde la mitología hasta
la religión,
pasando por el estudio anatómico,
o bien como representación de la belleza e
ideal estético de perfección, como en la Antigua
Grecia. El estudio y representación artística del cuerpo humano ha sido una
constante en toda la historia del arte, desde la prehistoria (Venus de Willendorf) hasta nuestros días. Una
de las culturas donde más proliferó la representación artística del desnudo fue
la Antigua Grecia, donde era concebido como un ideal de perfección y belleza
absoluta, concepto que ha perdurado en el arte clasicista llegando hasta nuestros
días, y condicionando en buena medida la percepción de la sociedad occidental
hacia el desnudo y el arte en general. En la Edad Media su
representación se circunscribió a temas religiosos, siempre basados en pasajes bíblicos que
así lo justificasen. En el Renacimiento,
la nueva cultura humanista, de signo más antropocéntrico,
propició el retorno del desnudo al arte, generalmente basado en temas
mitológicos o históricos, perdurando igualmente los religiosos. Fue en el siglo XIX,
especialmente con el impresionismo, cuando el desnudo empezó a perder su
carácter iconográfico y a ser representado simplemente por sus cualidades
estéticas, el desnudo como imagen sensual y plenamente autorreferencial.
